TEMA 4
LA MÚSICA DEL BARROCO
1. CARACTERÍSTICAS DE LA ÉPOCA
Se considera tradicionalmente que el Barroco comienza en torno al año 1600 y, en música, que finaliza con la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. En este momento, Europa está inmersa en una grave crisis económica y social. Los conflictos entre las coronas europeas se suceden.
En esta época se afirma el concepto de Monarquía absoluta. El rey ejerce el poder absoluto legitimado por Dios; la nobleza mantiene su posición en la escala social pero ya fuertemente sometida al monarca; y la burguesía continúa acrecentando su importancia económica y social.
En esta época de crisis, el arte se utiliza para mostrar la grandeza y la riqueza. La arquitectura, pintura, escultura, literatura y música se complejizan y multiplican sus adornos con el fin de lograr un mayor virtuosismo y lucimiento. Frente al equilibrio de las formas del Renacimiento, el Barroco busca procedimientos efectistas: contrastes, claroscuros, sensaciones de movimiento, ornamentación recargada, etc.
2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA BARROCA
Naturalmente, las características de la música barroca son similares a las del resto de las artes plásticas: dinamismo, contraste, ornamentación. Sus características musicales son las siguientes:
a) Melodía. Las melodías barrocas son largas y repletas de notas de adorno. Ya son melodías pensadas para instrumentos y que exigen una gran habilidad técnica en su ejecución.
b) Ritmo. Aparece el compás y, por lo tanto, la existencia de partes fuertes y débiles en las melodías. Esto es necesario ya que los conjuntos musicales se hacen más grandes y las melodías de cada parte más difíciles, lo que dificulta la correcta interpretación en conjunto.
c) Armonía. Aparecen los modos mayores y menores. Las escalas se escriben en estos modos, apareciendo las escalas mayores y las escalas menores. Dentro de estas escalas, cada nota (o grado de la escala) tiene una función; las más importantes son: la primera (tónica), la cuarta (subdominante) y la quinta (dominante).
En lo que concierne a la armonía, otro aspecto más importante es el concepto de acorde (varias notas que suenan a la vez). Estos acordes sirven para acompañar a las melodías solistas. Aquí se mezcla la textura monódica con la contrapuntística; es decir, todas las melodías son importantes pero hay una que sobresale de entre todas: la melodía superior.
d) Bajo continuo. El Bajo Continuo es un método de acompañamiento que surge en el Barroco y que consiste en una melodía grave sobre la que se improvisan acordes que sirve de acompañamiento para la melodía principal. Los compositores escribían en la partitura solamente la melodía grave y ponían unos números encima de algunas notas que ayudaban a los intérpretes a improvisar los acordes que correspondían. Cuando la melodía grave tenía estos números se llamaba Bajo Cifrado.
3. MÚSICA VOCAL PROFANA Y RELIGIOSA
Las melodías vocales barrocas son más virtuosísticas que las renacentistas, con ámbitos más extensos, todo buscando una mayor expresividad.
Aunque se siguen componiendo madrigales, ahora policorales y, en ocasiones acompañados de Bajo Continuo, la principal novedad es la invención de la ópera. Ésta se originó en Florencia a finales del siglo XVI cuando un grupo de músicos intentaron crear un tipo de obra teatral cantada.
La primera ópera conservada es Eurídice de Jacopo Peri en el año 1600 pero la primera de auténtica importancia se considera a la ópera Orfeo de Claudio Monteverdi, en 1607).
La temática de las óperas es mitológica, por lo tanto es una obra de carácter profano. Su estructura se basa en dos maneras de cantar: el recitativo y el aria, pero también tiene otras partes: obertura, danzas y coros.
El Aria es una pieza cantada por un solista con acompañamiento instrumental. Es de carácter lírico (es decir, expresa sentimientos). Solía ser una pieza de gran dificultad técnica por lo que los cantantes aprovechaban para demostrar su virtuosismo añadiendo además ornamentos improvisados. El acompañamiento instrumental solía estar también bastante elaborado; el Bajo Continuo es omnipresente y también se pueden encontrar intervenciones de la orquesta.
El Recitativo era una parte cantada pero que imitaba a la voz recitada. El acompañamiento instrumental se limita a unos acordes estáticos que favorece la mejor comprensión del texto cantado. El recitativo servía para narrar la acción.
La Obertura es una pieza instrumental que inicia la ópera, servía para avisar al público de que iba a empezar la obra.
Las Danzas eran fragmentos instrumentales que acompañaban a bailes incluidos en la acción de la ópera.
Los Coros eran fragmentos de música para coro escritos para momentos de la ópera en la que intervenía en la acción un grupo de gente.
Los compositores de ópera más famosos fueron: G. F. Händel, Henry Purcell, y J. B. Lully.
En cuanto a música vocal religiosa, la Cantata y el Oratorio son las formas musicales más representativas, aunque en la Europa católica se siguen escribiendo Misas y Motetes, ya con las características musicales barrocas.
La Cantata es una obra para coro, solistas y orquesta en la que se alternan las arias solistas con las piezas instrumentales y los coros.
El Oratorio es una obra teatral cantada, de temática religiosa pero no representada escénicamente. Su estructura es similar a la de la cantata: arias solistas, piezas instrumentales a cargo de la orquesta o pequeños grupos de instrumentos y coros.
4. MÚSICA INSTRUMENTAL
Ésta es la época en que comienza el mayor desarrollo de la música instrumental. Se afirma la familia del violín (violín, viola, violoncello y contrabajo) como la más importante. También se crea la orquesta de cuerda como una agrupación fija de instrumentos. Las chirimías evolucionan hacia el oboe.
En el Barroco se divide la música instrumental en dos tipos: Música de Cámara y Música Orquestal. Dentro de la Música de Cámara englobamos todas aquellas formas musicales concebidas para ser interpretadas en un salón (una “cámara”); es decir, formas musicales que requieren un solo instrumento o una agrupación de pequeño tamaño. Por el contrario, la Música orquestal, es la que está escrita para ser interpretada por una orquesta.
a) Música de Cámara
La primera forma musical que encontramos aquí es la Sonata. Ésta es una obra “para ser sonada”, según indica el significado literal de la palabra italiana. Es una obra instrumental que se compone de cuatro partes con velocidades alternantes: lento-rápido-lento-rápido, o bien: rápido-lento- rápido-lento.
Hay dos tipos de sonatas barrocas: sonata para solista y bajo continuo y sonata “a trío”. En los dos tipos, la sonata siempre está acompañada por el Bajo Continuo. En el caso de la Sonata para solista, además del Bajo Continuo, existe un instrumento solista (violín, flauta, oboe, clave…). Por otro lado, la Sonata a trío, además del Bajo Continuo cuenta con dos solistas que dialogan musicalmente entre ellos.
Otra forma musical de cámara es la Suite solista. Ésta es una rara excepción, dentro de la música barroca, puesto que es una de las pocas formas musicales que no está acompañada por el Bajo Continuo. Consiste en una forma musical con varias partes con carácter de danzas, dispuestas de manera alternada.
La música de cámara fue cultivada por todos los compositores barrocos, destacando: Arcangello Corelli, Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel, François Couperin, etc.
b) Música Orquestal
La orquesta se convirtió en la agrupación musical instrumental más importante de la era barroca. Los compositores barrocos escriben una gran cantidad de literatura orquestal pero las dos formas más importantes son: el Concerto y la Suite orquestal.
El Concerto se divide en dos tipos: Concerto Grosso y Concerto Solista. Ambos se basan en un juego de contraste entre toda la orquesta en su conjunto y un instrumento solista o un pequeño grupo. En los dos casos, el Concerto es una forma musical compuesta por tres o cuatro partes (movimientos) con carácter alternante: rápido-lento-rápido.
En el Concerto Grosso, hay un pequeño grupo de instrumentos solistas (denominado concertino) que dialoga con el resto de la orquesta (denominado ripieno); cuando los dos grupos tocan a la vez se denomina tutti.
El Concerto Solista únicamente posee un instrumento solista que dialoga con el resto de la orquesta.
Los dos tipos de concerto están acompañados siempre por el Bajo Continuo, si bien en el caso del Concerto Grosso, son dos grupos de Bajo Continuo los que existen.
Uno de los compositores de Concerto más conocidos fue Antonio Vivaldi, pero otros autores como Bach o Händel también escribieron grandes ejemplos.
La Suite orquestal posee las mismas características que la Suite solista, con la diferencia de que, en este caso, es la orquesta quien la interpreta. Así, es una forma musical compuesta por una serie de movimientos con carácter de danza colocados de manera alternante: rápido-lento o lento-rápido.
Dos de los autores más reconocidos en cuanto a la composición de suites orquestales fueron Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel.
5. LOS INSTRUMENTOS MUSICALES
En la búsqueda por conseguir instrumentos musicales con cada vez mayor potencia y mayores posibilidades técnicas, algunos instrumentos del Renacimiento caen en desuso y son sustituidos por otros en el Barroco. Es el caso de la Viola da Gamba. Ésta poseía una familia completa que se solía agrupar en conjuntos (llamados consorts). Las mayores posibilidades de virtuosismo del Violín, así como su mayor potencia sonora hacen decaer la utilización de las violas da gamba.
Algo parecido ocurre con la chirimía y el bajón, que son sustituidos por el oboe y el fagot, instrumentos de timbre más penetrante y mayor potencia sonora.
En el campo de los instrumentos de tecla, el órgano y el clave continúan desarrollándose añadiéndose teclados y registros. De esta manera, el órgano llega a tener tres teclados manuales y uno para los pies, y el clave dos. Esta multiplicación de teclados se debe a la intención de lograr contrastes tímbricos dentro del mismo instrumento.
